DANZA CONTEMPORÁNEA ARGENTINA
Comentarios de obras, difusión y apoyo a la producción independiente.

El pasado viernes 19 de octubre (y también el 26) el Espacio Zafra nos recibió con una de las ediciones del ciclo 1, 2, 3 DANZA. Es un espacio y momento de encuentro de artistas y público alrededor del motivo de presentación de solos, dúos y tríos de danza contemporánea En esta oportunidad, tres trabajos: uno de ellos exploraba, en mi opinión, una dirección radicalmente diferente de las otras dos propuestas. Quizá en esta oportunidad, 1, 2, 3 DANZA dio lugar a opciones que diferían en sus maneras de concebir la danza contemporánea, o eso que más o menos lleva ese nombre. En orden de aparición, el primer trabajo suponía, a mi modo de ver, una búsqueda formalista anclada fundamentalmente en la exploración del movimiento y su flujo. Titulado "Mi otra posibilidad"; concebido e interpretado por Lucía Toker e Inés Maas, consistía -consiste- en un viaje por las formas ocasionadas por los encastres aireados entre dos cuerpos, o por los encastres generados por las formas que producen dos cuerpos que se encuentran (pero que se encuentran a partir de su…

La sensación de sumergirse en un universo onírico. Color dorado. Una de David Lynch. La lengua es un solo en el cual la intérprete nunca está sola. El lenguaje que construye, desde un gesto simple al comienzo que va aumentando en complejidad e intensidad hasta llegar a una frecuencia que te deja pegado al asiento como una acelerada a fondo, llena el espacio con una especie de diálogo ininterrumpido y esquizofrénico. Lo llena de presencias a las que la luz les da cuerpo, literalmente. Hay algo de entrañable en estas presencias que desfilan por la obra. Y algo de amenazante también. La lengua se impone, el lenguaje acosa permanentemente al cuerpo, lo violenta. Siempre hay tensión, lucha, a veces una complacencia un poco irónica que causa risas en el público y descomprime; volvés a sentir tu cuerpo como si llegaras de nuevo y te sentaras, solamente unos segundos, para que la frecuencia vuelva a subir… El sentido es elusivo siempre, siempre se escurre, de eso se trata La lengua. La lengua no para, el músculo trabaja incansablemente, siempre dando pasos…

“Es cierto, no hay una felicidad de la estructura; pero toda estructura es habitable. (…) Puedo muy bien habitar lo que no me hace feliz; puedo a la vez quejarme y quedarme; puedo rechazar el sentido de la estructura que sufro y atravesar sin disgusto algunos de sus tramos cotidianos; y esta firmeza del sistema (que lo hace precisamente habitable), puede incluso proporcionarme un gusto pervertido(…)” (Barthes, Roland; Fragmentos de un discurso amoroso; Bs. As.; Siglo Veintiuno Editores; 2011; pg. 72). ¿Qué pasa cuando la estructura habitable se encuentra saturada por la acumulación? Acumulación de objetos, acumulación de basura, acumulación de posibilidades en la vida, de promesas nunca cumplidas. Pero hay algo que ellos, los intérpretes y la directora, si prometen con solo entender el título de esta obra dirigida por Silvina Duna. Luz. Desorden ordenado en desorden, caos de cosas en desuso, materiales descartables, basura. Solo objetos, que vuelven inminente la presencia de algo humano dentro de tanta chatarra, de lo vivo dentro de lo que está muerto. Al observar largo y tendido este panorama, una desea que algo/alguien…

Con el hígado transpirado: así está ella, así quedamos. Andrea es en sí misma una mezcla. Mezcla de Andrea la puta de ficción, con algo –mucho- de Marina Otero, su creadora. Mezcla de un personaje y una persona; de una autobiografía que se abraza a esa Andrea de Pablo Ramos en “La Ley de la ferocidad”, talvez para compartir la responsabilidad que implica hablar de uno mismo. Los que asistimos vamos entrando/subiendo de a uno o de a dos a Apacheta -la sala de la ventana- y nos indican dónde sentarnos. Somos pocos, es un encuentro íntimo. No quisiera describir qué va pasando… para eso toca ir algún sábado a la cita con Andrea. Pero sí ubicar al ahora lector y al posible espectador, sobre ese encuentro que es a la vez disfrutable y agotador, sincero y piadosamente mentiroso, y que probablemente lo haga juntar las piernas entre sí, enterrar la cabeza entre los hombros; cada vez que Andrea habla, llora, se golpea, se sincera, se esconde, se rompe, se define, se enumera, se pervierte y festeja la moral hedionda…

A modo de descripción: Los performers de Low Pieces se encuentran sentados en el piso del escenario, dispuestos en línea frente al público, y nos miran entrar. Dos espacios y posiciones bien definidas y enfrentadas entre dos grupos –espectadores y performers-, que pretenden ser desdibujadas cuando Xavier Le Roy explica el principio de la pieza (cuando este principio ya está transcurriendo, claro). Nos dice que mantendremos una conversación durante 15 minutos, y transcurrido ese tiempo las luces se apagarán, pero... “no se preocupen, la luz volverá”. La conversación no fue exactamente eso: si bien era un diálogo entre dos grupos de hablantes (ellos y el público), tomó más bien la forma de una entrevista. El público preguntó: ¿son ustedes una compañía? ¿de dónde provienen? ¿cómo fue que se juntaron para hacer esta obra? Y ellos respondieron. Al aparecer la palabra obra, Le Roy sonrió con evidente picardía. Por algún motivo todos dimos por sentado que la charla sería sobre danza, o sobre la danza, o sobre esa danza, al menos a juzgar por el tema de la pretendida conversación. Quizá…