COMENTARIOS Y ANÁLISIS OBRAS DE DANZA
Las acciones son hechos, ideas. Miguel Ángel Bustos, en una nota dijo sobre su escritura; pintar el verbo, es mi obsesión. Han pasado dos meses desde que fui a ver las bestias, en el barrio del abasto. Recuerdo: El negro de la oscuridad, ruidos que preceden movimientos, obvio, no? pero, el hecho de que los ojos puedan estar cerrados o abiertos con la misma finalidad y que esos ruidos que solo balbucean aquello que son movimientos; graves y fuertes, obvio, no? puedan introducir un clima muy propicio para engancharse en la continuidad de la obra, funciona. Luego recuerdo, un niño de rulos, como la imagen de la delicada belleza, el Tadzio de Gustav Aschenbach bajo una luz, desnudo como una obra de arte, y la imagen que le sigue son otros tipos-bailarines, inflando mucho las fosas nasales, relinchando. El núcleo duro de la puesta en escena es de un tiempo importante girando sobre la idea de la obra: la doma, dominación, manifiesta en varias puestas. Las bestias son todos hombres, ¿obvio? o es un pensamiento anacrónico, pensar que si? El…
Con una estética muy marcada, Pablo Rotemberg y las cuatro bailarinas–Ayelén Clavin, Carla Di Grazia, Josefina Gorostiza y Carla Rímola- logran una prolija correlación entre música, danza y escena, puesta al servicio de una idea: la feminidad, la violencia, la sexualidad, el erotismo y la pornografía, palabras interrelacionadas que tienen en sus definiciones evocaciones unas con otras, donde intencionalmente en este catalogo falta la palabra amor, un tema que también en la idea fija es motivo central por su opuesto: el desamor, como nostalgia del valor que por su ausencia se hace presente y sobrevuela la idea tangible a lo largo de la obra. Con un humor corrosivo rozando el no humor, un punto oscuro: el humor negro, las bailarinas construyen acciones descarnadas y violentas, no es parodia no es ironía – salvo quizás la escena en que Ayelén Clavin baila una bossa-italiana de Armando Trovajoli y deconstruye el relato- en el resto de la obra impera la reflexión de un humor del ridículo de las cosas. La obra dividida en tres actos, comparte en sus dos extremos la idea…
La rayuela como todos conocemos es un juego de niños, casilleros que inician por la tierra continúan por números que van del uno al nueve y finalizan en el cielo. Un juego que representa la vida, una alegoría del nacimiento, del desarrollo y la muerte. Rayuela también es un libro. A primera vista la obra presenta una escalera, marcos de cuadros sobre una pared negra -que se completarán con números hasta llegar al nueve más las palabras tierra y cielo, representado las escenas- y en el piso con tiza dibujada una rayuela; los tres elementos sinónimos de una misma idea de inicio y final, son la escenografía principal por donde los protagonistas desarrollarán una prolija y variada coreografía, acompañada por temas musicales que van de Yan Tiersen o Eric Satie al Chango Spaziuk. El planteo de la idea es desde una perspectiva naif, transparente, una mirada que surge desde la infancia que la evoca y la tiñe y por ello no es azar que la rayuela aunque borroneada por los pies que danzan sobre ella, siempre está presente, y es…
Tomar una hoja de papel y crear un cuadrado perfecto, luego manipularlo mediante varios plegados, de esa forma se llega a un papel adivinador de la fortuna (una suerte de origami), dicho objeto, en boga en épocas escolares, se debe pintar de colores varios en el anverso y en su reverso escribir la suerte en cuestión. El grupo la voraz irrumpe y se presentan parados como en una foto familiar. El duelo: muerte como eje atravesada por lo lúdico, el azar y el juego. Las tres palabras en un principio tienen un dejo de sinónimos, pero aunque compartan un patrón general, una genealogía, una relación de género y especie y puedan intercambiarse en un dialogo corriente sin perder la noción de lo que se está refiriendo, a la palabra “azar” la diferencio rápidamente de lo “lúdico” y del “juego” quizás más hermanas entre las hermanas palabras. Hace unos años, leí un libro de Paul Auster, el Cuaderno Rojo, donde relata sencillas anécdotas que ponen en manifiesto la fuerza poderosa del azar, escalofriante cuando sucede, quizás la necesidad de que algo…
A través de una novela de Yukio Mishima El color prohibido (Kinjiki), 1954, Federico Moreno aborda una performance física y oscura. Como un posible origen, un hombre que antes de descender de una red de sogas negras –telaraña- concentra sus movimientos en el equilibrio y mantiene el cuerpo en una endeble disposición recorriendo el hábitat que presenta la obra. Este solitario hombre, a diferencia de Cosimo, el barón rampante, decide desprenderse de la maraña de sogas –ramas de un árbol- y bajar a la tierra, pero una vez en el suelo, sigue atado a la estructura, lo sujeta del tobillo o de la muñeca, todas las secuencias forman en este individuo una especie de nostalgia –imperialista- porque cuando ya no hay ataduras, queda un acto reflejo: nada lo liga al ovillo, tiene la independencia física pero no el poder de salirse, la repetición inscripta en sus músculos refleja la alienación, la presente representación de un ente que lo reclama: sin la estructura no es nada. Amalgamada a esta idea, el sonido suena a fábricas procesando materiales pesados, ruidos y repetición…